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Cuadros abstractos al óleo: los más bonitos de 2018

Los cuadros abstractos al óleo tienden a tener un diseño más conceptual y expresivo. Por lo tanto, los artistas pueden exagerar o simplificar las formas de las figuras mediante una serie de pinceladas.

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Tanto si se busca un cuadro al óleo de un artista de renombre como de un pintor novel, estas obras de arte son un añadido impresionante para cualquier hogar.

Soportes para cuadros al óleo

Tradicionalmente, las pinturas abstractas al óleo se montaban sobre lino. Sin embargo, debido a su elevado coste de fabricación, cada vez más cuadros abstractos al óleo modernos se montan sobre algodón antes de colocarse en una estructura de madera como las máscaras africanas, también conocida como bastidor.

Algunos cuadros abstractos al óleo se venden sin el soporte, por lo que hay que volver a montarlos sobre un bastidor antes de exhibirlos. Durante el proceso de montaje, la pintura al óleo se extiende sobre las cuatro esquinas del bastidor. Además de usar bastidores, los cuadros abstractos al óleo enmarcados pueden venir en un marco con vidrio.

Pintados a mano o mediante giclée

Los cuadros abstractos al óleo pintados a mano son obras de arte genuinas. Se trata de pinturas únicas que demuestran las imperfecciones del artista. Por contra, los giclées, o reproducciones digitales de alta resolución, son imágenes creadas con una impresora de inyección de tinta de seis colores.

cuadros abstractos al óleoEstas imágenes pintadas a máquina pueden imprimirse en varias superficies, como lienzo, papel para acuarela u otro soporte, y normalmente presentan una imagen más nítida que las obras originales. La elección entre los dos tipos es simplemente un asunto de predilección personal.

Aunque muchos coleccionistas optan por las obras pintadas a mano, quienes compran arte mural en lienzo para una finalidad puramente decorativa deberían considerar los giclées, ya que son más asequibles, al igual que los cuadros al óleo baratos.

Estirados o sin estirar

Los cuadros abstractos al óleo estirados se venden listos para exhibir. Por otro lado, los que no están estirados deben montarse sobre algodón con un bastidor o en el interior de un marco antes de colgarse.

Aunque estas pinturas en lienzo acaban necesitando más trabajo, los coleccionistas de arte suelen preferirlas. Muchos vendedores prefieren enviar las pinturas abstractas al óleo sin estirar para así evitar cualquier daño a la obra de arte.

¿Cómo lo hacemos?

En mi viaje para descubrir las técnicas de pintura abstracta, tenía que probar algunas de ellas. Esto acabó siendo algo divertido, y dio como resultado algunas obras buenas.

Hay que recordar que las obras de arte abstracto no tienen reglas, pero tengo en cuenta la longevidad de la obra y utilizo materiales de la mayor calidad para que varias generaciones de dueños puedan disfrutar contemplándolas.

Aunque acabo de decir que no hay reglas, eso no implica que no podamos hacer un poco de trampa y tener algunas cosas en cuenta a la hora de desarrollar nuestras creaciones.

Ésta es una lista de cosas a tener en cuenta en las técnicas de pintura abstracta que harán que nuestra próxima obra llame la atención:

  • Debemos mantener la armonía del color en toda la obra. Para ello, lo mejor que podemos hacer es informarnos sobre teoría del color y entender bien algunos de los conceptos básicos.
  • Tenemos que tener siempre presente la composición. Una pintura con una composición bien pensada tendrá éxito. Por lo tanto, debemos pensar en términos de tercios, quintos, ¡o incluso el rectángulo dorado, la secuencia de Fibonacci o una plantilla genérica!
  • La profundidad. En efecto, puede haber un primer plano, un segundo plano y un fondo. Cuanta más profundidad le des a una pintura, durante más tiempo explorará la obra el espectador. Así que lo mejor es que usemos las reglas habituales de perspectiva atmosférica para crear profundidad. Por lo tanto, los objetos en primer plano tendrán el mayor contraste y la mayor gama de colores. Cuanto más nos metamos en la pintura,       más gris, menos intensa y menor será la gama cromática. Y si hay objetos, ¡también se volverán más pequeños!

Técnicas de pintura abstracta: creando textura

Empecé cada obra basándome en el movimiento. Quería expresar un sentido de olas que chocan entre sí dentro de un espacio limitado. Así que utilizando una mezcla de gesso y pasta para modelar al 50%, además de una espátula, apliqué dicha mezcla en el lienzo.

Luego, con una brocha muy vieja y estropeada que usaba para pintar la casa, manipulé la mezcla para formar la base de cada cuadro. Al tratarse de un lienzo grande y utilizar una mezcla blanca para crear forma y textura, tuve que emplear un foco grande colocado cerca del borde de cada pintura. De esta forma, el foco proyectaba una buena sombra en la textura para mostrar su forma y ubicación en el lienzo.

A continuación, dejé secar la mezcla de gesso y pasta para modelar durante toda una noche. Por lo tanto, el proceso de pintado propiamente dicho empezó al día siguiente. Dado que trabajo con pintura al óleo, cada etapa requería de cierto tiempo de secado.

Utilicé unos productos artísticos secantes llamado Liquin en las mezclas para ayudar a que se secaran por la noche.

También fui pasando de la oscuridad a la luz. Con cada capa que aplicaba, añadía pintura y luego la limpiaba de las zonas que más sobresalían del lienzo.

Utilicé un esquema básico de colores basados en el siena tostada, los amarillos y los azules claros. También le añadí un poco de verde.

Por supuesto, a medida que iba desarrollando las obras, éstas iban cobrando vida propia. Llamé a la primera “Desplazamiento dimensional”, ya que representaba la fractura del tiempo entre universos. Para distinguir el segundo universo que se abría camino entre el primero, utilicé rojos borgoña oscuros.

La segunda obra tenía algunos giros que se repetían por toda su superficie, así que había nacido “Salpicadura de vueltas”.

La tercera me recordaba a una nebulosa, así que añadiéndole unas pocas estrellas, había creado “Eclipse de nebulosa”.

Espero que estas ideas sean de ayuda a cualquiera que quiera crear obras abstractas con textura.

Algunos pasos que seguimos

Antes de ponernos manos a la obra, vamos a asegurarnos de que todos estamos en el lugar adecuado. Ésta es una guía maestra sobre cómo pintar arte abstracto. Nos saltaremos los conceptos básicos sobre técnica de pincelada, teoría del color, cómo estirar un lienzo, qué tipos de líneas existen y cómo dibujarlas, además de cómo pintar escenas de figuras humanas, bodegones, paisajes, animales o de género.

Tampoco trataremos temas como quién soy, por qué estoy aquí, por qué hacer arte, por qué hacer nada, etc. Además, tendremos que tener una comprensión básica de la historia del arte, digamos que desde las pinturas rupestres hasta la actualidad. Bueno, pues si todos estamos cómodos siguiendo adelante, ¡empecemos!

Paso uno: tener talento

Esto puede decepcionar a algunos. Es una falacia común que el arte abstracto es el que hacen los artistas que no saben dibujar, que no tienen formación académica o que simplemente son espásticos.

Es verdad, hay mucha gente sin formación y sin talento que muestra comportamientos que resultan en la aplicación de pintura sobre superficies de maneras que generan imágenes irreconocibles. Pero igual que podríamos llamar a eso cualquier otra cosa, como pasar el rato, hacer cosas en el garaje, o desahogarse, lo que no lo llamamos es “pintar arte abstracto”.

Ser un artista abstracto es como ser abogado o primer ministro. Es una profesión que requiere formación. Es necesario trabajar en ello a tiempo completo y mostrar dedicación. Abstracto no significa novato.

Consideremos al artista abstracto geométrico de origen canadiense John Monteith. Se graduó en el College of Art and Design de Ontario en 1997. Luego, después de casi una década de trabajar, exponer y publicar, volvió a estudiar, consiguiendo un Máster en Bellas Artes en la Parsons School of Design de Nueva York en 2008.

Desde entonces, ha residido en Alemania y Suiza, y ha pasado un tiempo dando conferencias y exponiendo por todo el mundo. Para tener éxito como pintor abstracto, es necesaria una combinación de educación, concentración, perseverancia y habilidad. En otras palabras: talento.

Paso dos: tener una intención

Este paso también puede ser una decepción, pero sí, incluso los cuadros abstractos surgen a partir de una idea.

Es mucho más divertido y moderno imaginarse a los artistas abstractos como criaturas místicas que canalizan fuerzas cósmicas que ni siquiera ellos entienden, y su proceso incomprensible les lleva como si fueran zombies al lienzo, donde poderes inesperados fluyen a través de ellos sin su control, y que los cuadros que pintan están abiertos a una interpretación tan amplia que cualquier significado extraído de ellos es potencialmente válido.

Pero incluso un vistazo breve a la historia del arte abstracto demuestra que lo contrario es lo cierto. Los primeros artistas abstractos, como Wassily Kandinsky y Pablo Picasso, estaban guiados por un propósito.

Con dedicación científica, descomponían las pinturas, aislando elementos como el color, las líneas, las formas, las texturas, la luminosidad, el gesto, la superficie y la pincelada.

Con una intención, buscaron maneras de usar esos componentes para expresar algo universal, igual que los compositores utilizan elementos como el tono, el ritmo, la métrica y la afinación para expresar ideas universales abstractas a través de la música. Incluso artistas abstractos místicos, como Hilma Klint, y surrealistas como Joan Miró, empezaron con conceptos e hicieron su trabajo basándose en las ideas.

Paso tres: ser relevante

Es habitual que los artistas de hoy en día pasen directamente del instituto a la universidad, de la universidad directamente a la escuela de postgrado, y de ahí a la práctica profesional.

¿Qué tipo de arte puede hacer alguien de 25 años que nunca ha tenido un trabajo a tiempo completo, que nunca ha sido totalmente responsable de pagar facturas, que nunca ha mantenido un hogar, ni gestionado empleados, ni ha tenido que navegar por las diversas complejidades debilitantes de la lucha moderna del ser humano por la supervivencia?

Para ser un profesional y tener una intención en el trabajo, y ser relevante, es necesario aprender sobre el resto de los humanos.

Ver el mundo. Viajar. Leer, Aprender a cocinar. Ir a concentraciones. Defender algo. Cambiar de opinión y defender otra cosa. Aprender cómo es la vida para el resto de las 7000 millones de personas del planeta que podrían encontrarse con tu arte.

En su currículum, la pintora abstracta holandesa José Heerkens lista tours de formación en casi una docena de países de cuatro continentes.

Estos viajes informan directamente a su conciencia de sí misma y a su vocabulario visual, lo que da como resultado un trabajo que parece que tiene capas, además de ser moderno y global. Hay que entender que el arte abstracto no tiene que ser “sobre algo”, pero tiene que estar hecho por alguien que “sea algo”.

Paso cuatro: tener una opinión

Cualquiera que quiera ser un artista abstracto profesional tendrá que acabar enseñándole su trabajo a alguien. Los espectadores harán preguntas como, “¿esta imagen es simbólica de otra cosa, o sólo hace referencia a sí misma?”, o “¿se llegó a esta pintura a través de la ofuscación intencionada de objetos reconocibles, o fue el resultado de gestos intuitivos y no figurativos?”, o “¿por qué rojo?, ¿por qué no azul?”, etc.

Un artista profesional debe reivindicar lo que hace. Debe estar seguro de sí mismo y ser sincero. No hay nada que reemplace la claridad intelectual. No hay que explicar una obra, o decir lo que significa, o de qué trata.

Pero negarse a explicar la intención, rechazar preguntas del espectador o no decir nada en absoluto es simplemente egoísta, y deja que otros definan el trabajo.

Paso cinco: tener el control

Cuando el trabajo de Jackson Pollock fue criticado por ser caótico, la respuesta de Pollock fue, “¡de caos nada, maldita sea!”. El arte no es accidental. Los actos sin intención se llaman errores. Cada marca que termina en la superficie de una pintura abstracta sucede como resultado de las acciones y elecciones del pintor.

Incluso si un pintor toma la decisión de sacar una pintura al exterior bajo la lluvia, las marcas de agua resultantes ocurren como resultado de una elección.

Y si el pintor no está contento con una marca, puede limpiarla, cubrirla, modificarla o destruir la pintura. Esto se llama edición. El pintor trabaja, edita, y trabaja un poco más. ¿Por qué esconderse detrás de la mentira de los accidentes en una obra?

La abstracción no es el caos. Es necesario poseer cada marca de cada cuadro. Si ocurre algo en una obra que no ha sido conscientemente planeado, es necesario solucionarlo. Hay que enfrentarse al suceso no planificado y decidir si mantenerlo o no. Se decida lo que se decida, y sea cual sea el resultado del trabajo, será resultado de la elección.

Paso seis: ser abierto

Es posible que este paso parezca contradictorio, teniendo en cuenta que los cinco pasos anteriores destacaban la importancia de tener una intención, ser conceptual y mantener el control. No decimos que haya que olvidar todo eso.

Sólo decimos que hay que abrirse. Conectar con el subconsciente. Dentro de la mente de cada uno hay algo que es universal a cada miembro de la especie humana. Hay que dejar que las emociones guíen el cuerpo.

Pintar de manera visceral. Poner los sentimientos en el lienzo. Incluso si la pintura resultante es intuitiva, primaria, imprevista y libre, se seguirán tomando decisiones. Se seguirá editando. Y se seguirá decidiendo cuándo está completo el cuadro.

Paso siete: ser puro

Preparemos un té, miremos a la taza y digamos en alto “esto es té”. Luego vertamos un poco de zumo de naranja en el té, miremos a la taza de nuevo y preguntémonos, “¿qué es esto?”. Los artistas contemporáneos tienen acceso a toda la historia del arte.

Son libres de explorar cualquier estilo y cualquier soporte, y de entremezclar estilos y soportes para encontrar su voz única y satisfacer su visión conceptual. Pero cuando los estilos se mezclan entre ellos, ¿qué nos queda?

Si se pinta un cuadro abstracto monocromo y luego se le pega encima un collage de estrellas de los realities de la televisión, ¿sigue siendo abstracto? Contiene elementos de abstracción pero, ¿es lo mismo? La mayoría de nosotros estaría de acuerdo en que pintar una imagen de una margarita encima de un campo de color de Rothko es como verter zumo de naranja en un té.

Uno termina diciendo, “¿qué es esto?”. Llamar a una pintura abstracta significa algo. Para que retenga ese significado, la pureza es la clave.

Paso ocho: ser novedoso

Hace poco oímos a un pintor describir el trabajo de otro pintor como “pinturas que representan pinturas abstractas”.

Aparte del humor de la afirmación, exponía el argumento de que somos los beneficiarios de más de un siglo de arte abstracto, ¡y los grandes pintores abstractos del siglo XX lograron mucho! Para elevar el nivel de esos grandes artistas que nos precedieron, los pintores abstractos actuales deben encontrar maneras de hacer que su trabajo sea nuevo.

Sí, todos los pintores deben enfrentarse a la necesidad de ocupar de alguna forma la superficie de un espacio vacío. Y de todas las exigencias que hemos hecho a los pintores abstractos hasta ahora, el desafío adicional de ocupar ese espacio vacío con algo totalmente nuevo podría parecer el más abrumador. Pero es la capacidad de expresar algo nuevo y único lo que resulta más vital para el futuro de la abstracción.

Seguir los otros siete pasos implica tener talento e intención, ser relevante, tener una opinión, mantener el control, permanecer abierto y luchar por ser puro. No se puede ser otra cosa aparte de honesto y fiel a uno mismo. Y la expresión personal honesta no puede llevar a algo que no sea exclusivo de uno mismo y, por definición, nuevo.

Cuadros abstractos al óleo: los más bonitos de 2018
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